Meinungsunterhaltung

Zehn unbedingt sehenswerte Bollywood- und Indie-Filme des 21. Jahrhunderts

Laut Kritikern waren die 1990er Jahre lausig. Doch um die Jahrtausendwende wurde es nur noch schlimmer. Gerade als alle Hoffnungen dank des Aufkommens einer neuen Generation von Indie-Schauspielern und -Regisseuren auf wundersame Weise verloren waren, steuerte Bollywood auf einen seismischen Wandel zu, dessen Erbe es bis heute prägt.

Werfen Sie einen Blick auf unsere Auswahl an Bollywood- und Indie-Filmen aus dem 21. Jahrhundert.

Denken Sie an „modernes“ Bollywood und zwei Filme stechen heraus. Beide sind in ihren Themen und visuellen Stilen so unverschämt unterschiedlich voneinander, dass ihre Äußerung in einem Atemzug für Cinephile wie eine Empörung klingen mag. Halte deine Pferde. Sie sind Satya und Dil Chahta Hai. Seien Sie nicht überrascht, wenn die erste Person, die sich an dieser Erklärung ärgert, Ram Gopal Varma selbst ist, Satyas „verlorenes Genie“. Und der Mann, der in den 1990er Jahren mit Rangeela die Grammatik der Romantik neu definiert hatte. Aber lassen Sie sich einen Moment Zeit, um den Vergleich auf sich wirken zu lassen. Kratzen Sie an der Oberfläche und sie haben ein paar Dinge gemeinsam. Satya hat praktisch den modernen Bollywood-Realismus erfunden. In Bombays Gangsterland angesiedelt, war es auf einer Ebene vielleicht mehr Fantasie als Realität. Laut dem Einzelgänger RGV, der heute auf einen Geist aus der Vergangenheit reduziert ist, wurde Satyas Körnigkeit, beginnend mit dem Titel, von Govind Nihalanis eindringlichem Ardh Satya beeinflusst.

Mit anderen Worten, was Satya mit dem „Realismus“ getan hat, was Farhan Akhtars Dil Chahta Hai mit dem Urbanismus getan hat, ein bahnbrechendes Debüt, das den Grundstein für jede darauffolgende urbane Komödie legte. DCH hat uns mit einer frischen Darstellung des urbanen Realismus begeistert. Satyas ungehobelte Gangster reden sehr ähnlich wie ungehobelte Gangster, es sei denn, Sie kennen zufällig einen glatten Gangster, der, wie der Lyriker Gulzar einmal bemerkte, Ghalib anstelle von „Goli maar bheje mein“ anrief. Auf der anderen Seite waren Dil Chahta Hais treffende urbane Bonmots wahrscheinlich das erste Mal, dass Sie die Millennial-Sprache auf einem Hindi-Bildschirm hörten. Witze aus dem Film zieren weiterhin GIFs und Memes.

Angetrieben von trendigen Haarschnitten (das passiert, wenn Ihre Frau einen Salon besitzt), Goa-Roadtrips und Tagesausflügen der Elite-Jungs hat DCH seit seiner Veröffentlichung im Jahr 2001 eine riesige Fangemeinde gewonnen. Wenn das Coming-of-Age-Ensemble (mit Aamir Khan, Dimple Kapadia, Akshaye Khanna, Preity Zinta und Saif Ali Khan) mit seinen hohen Produktionswerten manchmal wie ein teurer Werbefilm spielt, ist Regisseur Farhan Akhtar (Mining persönliche Erfahrung von Privilegien und Ablehnung, in das Drehbuch einfließen zu lassen), der sich vor seinen Filmtagen in der Werbung die Zähne ausgebissen hatte.

Heute haben wir vielleicht Farhan Akhtar The Director an Farhan Akhtar The Actor verloren, sein Debüt kam zu einer Zeit, als Bollywood dringend mutige neue Stimmen brauchte. Dies war lange bevor Anurag Kashyap, Vishal Bhardwaj und andere Vorboten der Hoffnung die Szene betraten, um uns ihre eigene Interpretation von „Liebe“ zu geben, als wollten sie die Bollywood-Formel herausfordern. Während es in Karan Johars Glanzfabriken darum ging, seine Familie zu lieben, stellten Kashyap, Bhardwaj und dergleichen diese Idee in offenem Trotz auf den Kopf und unterstützten stattdessen dysfunktionale Familien und Beziehungen, die wahrscheinlich realer waren als Johars Designer-Emotionen.

Hindi-Kino im Jahrtausend mit Amitabh Bachchan, dem größten von allen, der über Mohabbatein, der Geburt von Hrithik Roshan (auch bedauerlicherweise von Amisha Patel in Kaho Naa..Pyaar Hai) und einem klassischen Akshay . darum kämpft, sein verlorenes Mojo zu finden Kumar-Suniel Shetty Camp namens Dhadkan, in dem Bollywoods Bewohnerin Anna als im Stich gelassene Liebhaberin rumhämmerte. Die Hits des Jahres 2000 waren größtenteils aus dem gleichen Stoff geschnitten wie die der 1990er Jahre, die Nabelschnur wurde schließlich vom heiligen Gral Dil Chahta Hai aufgeschnitten.

Das Jahrzehnt 2000 hatte zwar zaghafte Anfänge, aber am Ende stellte sich heraus, dass es eine unschätzbare Ära war, die uns Dutzende einflussreicher Filme zum Schätzen und Nachdenken bescherte – ein Erbe, das bis heute anhält. Die außergewöhnlichste Entwicklung des Hindi-Kinos des 21. Kaushal, um nur einige zu nennen. In einem Ökosystem neu entdeckter Freiheit und neuer Hackordnung wurden Hindi-Filme zu einem Spiegelbild der Gesellschaft, in der wir lebten, und zu einem äußerst persönlichen Ausdruck derer, die diese kompromisslose Marke des Kinos machen, und halfen dabei, ein kreatives Wiederaufleben in Bollywood zu erklären, das zuvor nicht gesehen wurde. Ob es darum ging, endlich den Puls des Publikums zu finden, eine Gruppe unkonventioneller Filmemacher dem Publikum ihren raffinierten, enzyklopädischen Geschmack aufzuzwingen oder einfach nur, dass die Kinogänger schlau wurden, ist schwer zu sagen. Der Glaube an gutes Kino wurde wiederhergestellt. Als die Grenzen zwischen Kunst und Kommerz wie die Berliner Mauer fielen, entstanden interessante Geschichten aus den Trümmern, die alle Regeln und Normen brachen.

Dibakar Banerjees Khosla Ka Ghosla (2003), Raju Hiranis Munnabhai MBBS (2003), Ashutosh Gowarikers Swades (2004) und Anurag Kashyaps Dev.D (2009) waren einige der Eckpfeiler des letzten Jahrzehnts. Filmtypen stehen der Werbung oft skeptisch gegenüber, aber man vergisst leicht, wie sehr die Werbung dieses Medium bereichert hat. Satyajit Ray und Shyam Benegal sollten vorerst ausreichen, um einen Namen fallen zu lassen. Ähnlich wie sie half ihm der Werbehintergrund von Dibakar Banerjee, ins Filmgeschäft einzusteigen. Khosla Ka Ghosla ist eine sanfte Komödie, die dem Debütanten sofort Vergleiche mit den Werken von Hrishikesh Mukherjee einbrachte. Aber im Gegensatz zum geliebten Mukherjee hat die Karriere des bengalischen Landsmanns seitdem eine verlockend andere Zukunft geschmiedet.

Kommen Sie 2005, und Sie haben den alten Garde Sudhir Mishra, der sein Bestes liefert. Hazaaron Khwaishin Aisi ist gleichermaßen betrunken von Marx und Ghalib und vereint die beiden Leidenschaften des Regisseurs – Poesie und Politik. Dass wir in einer bedeutsamen Zeit lebten, lässt sich daran ablesen, dass es Dibakar Banerjee und Anurag Kashyap möglich war, neben ihren Vorgängern wie Mishra und Mira Nair Filme zu drehen. Übrigens brachte Nair das Jahrzehnt mit Monsoon Wedding ein, einem Crossover-Klassiker aus dem Jahr 2001, der laut Kritiker Philip French ihr bester Film seit ihrem denkwürdigen Debüt von 1988, Salaam Bombay, war!

Unsere zehn Titel spiegeln unseren Versuch wider, das Beste aus der Zeit nach 2000 herauszufiltern, einschließlich neuerer Titel wie Piku, Mukti Bhawan und Dangal. Sehr aktiv und doch langsamer als seine Kollegen, stehen Padmaavat und Bajirao Mastani von Sanjay Leela Bhansali auf unserer Liste. Diese beiden Magnum-Werke repräsentieren am besten die große Sensibilität, den visuellen Stil von SLB, sein feines Gehör für Musik und seine Fähigkeit, Visionen von Schönheit zu beschwören. Ein historisches Epos nach dem anderen.

Neben den Epen sind unterschätzte kleine Filme aufgeführt, die einige von Ihnen vielleicht bei der Erstveröffentlichung verpasst haben. Wir lassen Sie diese zusammen mit den bekannten entdecken. Fühlen Sie sich frei, anderer Meinung zu sein.

Padmaavat (2018)

‘Allah ki banayi har nayab cheez par sirf Alauddin ka haq hai’ – Alauddin Khilji

Deepika Padukone und Shahid Kapoor in Padmaavat. (Foto: Bhansali Productions)

Die besten Filme von Sanjay Leela Bhansali sind im Herzen oft dem Untergang geweihte Dreiecksbeziehungen – Hum Dil De Chuke Sanam, Devdas, Saawariya und Bajirao Mastani. Bei den Top-Linern Deepika Padukone, Shahid Kapoor und Ranveer Singh ist Padmaavat nicht anders. Wie immer macht sich Bhansali auf, ein Opus Magnum zu machen und schafft es diesmal fast. Sie können den SLB-Touch in fast jedem Bild sehen, das sorgfältig wie ein barockes Wandgemälde gestaltet ist, das die Saga der Kriegerkönigin Padmavati (Deepika Padukone) und König Ratan Singh (Shahid Kapoor) erzählt, deren einziger Zweck es ist, den Betrachter an die vielen Merkmale zu erinnern ( guroor, usool usw.), die den Stolz von Rajput definieren. Betreten Sie Alauddin Khilji, gespielt von Ranveer Singh, Bhansalis Lieblingsmuse. Khilji ist ein Eindringling, in ihrer Ehe und in Indien, mit bösen Absichten auf beide. Von dem Zeitpunkt an, an dem Bhansali ihn am Tag seiner Hochzeit als Womanizing vorstellt, wissen Sie, dass Khilji unvorhersehbar widerwärtig, aber seltsam aufregend ist. Bhansalis Goldjunge spielt den mächtigen Herausforderer des Sultanats von Delhi mit einer Mischung aus Gimmicky-Camp und Pappy-Show-Trickster. Er ist abwechselnd ein Objekt der Parodie und des Mitleids und schürt genug dunkle Mächte, um Padmaavat zu seinem Ass zu machen. Bhansali ist gleichzeitig Regisseur und Musikkomponist und verwendet Drama, Bühnenbild, Musik, Ambiente und prägnante Linien, die K Asif würdig sind, um ein unverwechselbares SLB-Denkmal zu schaffen, das filmisch ebenso rätselhaft wie historisch fehlerhaft ist.

Mukti Bhawan (2017)

‘Koshish karne se kaun marta hai’ – Frau Verma

Ein Standbild von Mukti Bhawan. (Foto: Roter Teppich bewegte Bilder)

Angesichts der Tatsache, dass Shubhashish Bhutianis relativ Low-Budget-No-Star-Mukti Bhawan eine Meditation über den „Tod“ ist, werden Sie überrascht sein, dass es so voller Leben ist, alles scharf beobachtet und mit einem enormen Sinn für Humor. Bhutiani setzt auf das moderne Indien – mit ständig klingelnden Telefonen, die die friedlichen Familienmahlzeiten stören, Skype-Chats in heruntergekommenen Cyber-Cafés, Mädchen, die Roller fahren – mit dem traditionellen Indien und seinen in Stein gemeißelten Werten und Ritualen. Der Film beginnt damit, dass der alternde Dayanand Kumar (Lalit Behl) erklärt, dass seine Zeit abgelaufen ist. Sein pflichtbewusster Sohn, der weltgewandte Rajiv (Adil Hussain) ist ein Haushälter im hinduistischen Sinne des Wortes. Wie kann man alles hinter sich lassen, um seinen Vater auf seinem letzten Weg zur Erlösung zu begleiten? Widerstrebend, mehr aus Pflichtgefühl als aus Liebe, stimmt der Sohn einer Reise nach Banaras zu, der heiligen Hindu-Stadt, in der Daya sich entschieden hat zu sterben. Der Titel Mukti Bhawan bezieht sich auf ein geschäftiges Gasthaus, in das alte Seelen zum Sterben einwandern, aber wie der Wirt eingangs scharf warnt, hast du maximal 15 Tage zum Sterben. Danach? fragt ein verblüffter Rajiv. „Geh nach Hause!“ Bhutiani hat ein Händchen dafür, in den banalsten Situationen schwarzen Humor zu finden. Sie haben also den Wirt, der ein neugieriges Kind wegwischt, während er Weisheiten über 'Erlösung' anbietet, oder wenn Rajiv mit einer ironischen Antwort antwortet (dies könnte die lustigste Zeile des Films sein): Millionäre essen Früchte, keine Weisen auf die Forderungen seines Vaters Obst zum Mittagessen zu kaufen, nachdem der alte Mann plötzlich dazu inspiriert wurde, der Diät eines Weisen zu folgen. Rajivs Beziehung zu Dad Daya bildet Mukti Bhawans emotionalen Kern und das Duo verbindet sich (eine Szene am Ganges, in der Daya seinen Wunsch teilt, als Känguru wiedergeboren zu werden, ist ein Sinnbild für die Art von Humor, in der dieser Film schwelgt), trotz Rajivs anfänglicher Bedenken , wird die Botschaft des Films deutlich: Loslassen lernen.

Dangal (2016)

'Mhari choriyan choron se kam hain ke?' - Mahavir Singh Phogat

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Ein Poster von Dangal in der Hauptrolle von Aamir Khan. (Foto: Aamir Khan Productions)

Nur wenige Stars kennen als Aamir Khan die Bedeutung von „Melodrama“ und seiner merkwürdigen Beziehung zu „Unterhaltung“ im indischen Kontext. Es ist diese Fähigkeit, die hohe und die niedrige Kunst erfolgreich zu überqueren, die ihn zu einem Kassenmoloch gemacht hat. In Dangal, einem Sportdrama, das vom Leben des Wrestler-Trainers Mahavir Singh Phogat und seiner Goldmedaillengewinner-Töchter Geeta Phogat und Babita Kumari inspiriert ist, weiß Regisseur Nitesh Tiwari genauso genau wie Khan und der Rest der talentierten Besetzung, dass dies ein Aamir Khan Fahrzeug den ganzen Weg. In Rang De Basanti ließ Khan andere Jungs aufsteigen und den Tag retten. Dieses Mal wird er den Höhepunkt antreiben, obwohl das Publikum von ganzem Herzen für die Mädchen steht. Das Hauptanliegen des Films ist, wie Mahavir (Khan), ein kleiner Zeitgenosse, der durch die Akadhas (Ring) stolpert, seinen Töchtern das Leben zur Hölle macht (das Lied Bapu, sehat ke liye tu toh hanikarak hai ist die inbrünstige Bitte der Mädchen gegen Papas Regime) wird die Rookies Geeta (Zaira Wasim, Fatima Sana Shaikh) und Babita (Suhani Bhatnagar, Sanya Malhotra) in eine Goldgewinnmaschine treiben. Der Film beginnt damit, dass Mahavir sich nach einem männlichen Erben sehnt, aber als seine Töchter nach Hause kommen, nachdem sie einen einheimischen Jungen verprügelt haben, erkennt er schnell ihr verborgenes kämpferisches Talent. Wie die meisten Khan-Publikumsfreunde ist Dangal ein emotionaler Knaller, der nur allzu gerne ein paar soziale Themen (Patriarchat, Frauenförderung, institutionelle Apathie, was auch immer) einbringt.

Piku (2015)

„Kamaal hai, aap har baat ko pet ke saath kaise jodd dete hain?“ – Rana, Inhaberin des Transportunternehmens

Deepika Padukone und Amitabh Bachchan in Piku. (Foto: MSM-Filme)

Das letzte Mal, dass Amitabh Bachchan Bhaskar Banerjee spielte, war in Anand, einer ikonischen Tragikomödie aus dem Jahr 1971, die den Beginn seiner außergewöhnlich langen Innings signalisierte. Mehr als vier Jahrzehnte später kehrt Bhaskar in diesem Stück Leben als hypochondrischer Vater zu Deepika Padukone zurück. Regisseur Shoojit Sircar und Autor Juhi Chaturvedi sind Fans der warmen und alltäglichen Komödien von Hrishikesh Mukherjee. In Piku dient Bachchan als Bindeglied aus der fernen Vergangenheit, eine rechtzeitige Erinnerung daran, dass Hrishikesh Mukherjee schon lange nicht mehr da ist, aber sein Einfluss ist sehr lebendig und wirkt bei neuen Filmemachern. (Khosla Ka Ghosla könnte mit Piku als schöne Doppelrechnung funktionieren). Beachten Sie die sanfte Ironie: In Anand war Bhaskar ein Arzt, während Pikus Bhaskar (oder Bhashkor, wie der Film ihn lieber nennt) die Art von rundum verrückten Hutmacherpatienten ist, die Anands ernsten und schüchternen Arzt Bhaskar die Wand hochtreiben würden. Er ist übermäßig besessen von der Verdauung – wie anscheinend die meisten Bengalen. Sircar kontrastiert den lästigen und übertriebenen Bhaskar mit der ruhigen und willensstarken Zurückhaltung seiner Tochter Piku (Padukone). Dieser Film handelt von ihrer unwahrscheinlichen Verbindung. In einer lustigen Szene versucht Bhaskar, einen jungen Mann, der an ihr interessiert sein könnte, davon abzubringen, indem er sagt: Sie ist keine Jungfrau. Er will nicht, dass sie heiratet und ihn allein lässt. Bei Piku geht es um Familie und Elternschaft (mit vielen Töpfchen, die als typische bengalische Art von Humor ausgegeben werden), aber auch um Fürsorge, ein Thema, das Sircar und Chaturvedi einige Jahre später im unbesungenen Oktober (2018) erneut aufgreifen würden. Überraschung: Die ungewöhnliche Chemie von Irrfan Khan und Padukone, während der Film zu einem unterhaltsamen Roadtrip wird.

Bajirao Mastani (2015)

‘Aap humse hamari zindagi mang lete hum aapko khushi khushi de dete, par aap ne toh humse hamara guroor hi cheen liya’ – Kashibai

Ranveer Singh in Sanjay Leela Bhansalis Bajirao Mastani. (Express-Archivfoto).

Der Held von Sanjay Leela Bhansalis Bajirao Mastani muss beweisen, dass er des Throns von Peshwa würdig ist. Auf sein Ziel gerichtet, trifft sein scharfer Pfeil ins Schwarze. Das Objekt ist nicht der Kopf des Feindes, sondern eine harmlose Pfauenfeder. Darunter verbergen sich Hügel der Symbolik. In Peshwa Bajiraos (Ranveer Singh) Erzählung ist der Pfau ein Symbol des Mogulreichs, die Erde darunter ist indischer Boden, während der tödliche Pfeil den tapferen Marathas gehört. Die Pfauenfeder hat symbolische Bedeutung für die folgenden Ereignisse, da sich der hochverheiratete Maratha-Krieger in die muslimische Mastani (Deepika Padukone) verliebt. Dies ist eine klassische Bhansali-Erfindung – die die Bühne für ein sternenüberspanntes Finale bereiten. Jede Bemerkung und jedes Argument in Bajirao Mastani ist mit zweischneidigen Katharsis gespickt. Wie Mastani Bajiraos Frau Kashibai (eine schillernde Priyanka Chopra) daran erinnert, hielt er meine Hand, verließ aber nie deine und schmiedete eine Bindung zu mir, während er sicherstellte, dass deine nicht gebrochen wurde. Für Kashibai war dies ein Fluch, der lange auf sich warten ließ. Zu Beginn gibt es eine herausragende Szene, in der ihre verwitwete Freundin, die die Asche ihres Mannes trägt, sie warnt, dass sie eines Tages wie sie aus Liebe leiden würde. Da sind Sie, die Quintessenz von SLB-Sehnsucht, Qual und Verlust – jeder Charakter geht durch, denn das „Dreieck“ ist nichts anderes als ein Kreis aus Agonie und Ekstase.

Gericht (2014)

„Schwere Zeiten sind da/Wir sind aus unserem Boden entwurzelt/Diese Ära der Blindheit/Hat unsere Augen ausgehöhlt“ – Gedichte von Narayan Kamble (Sambhaji Bhagat)

Gericht, Nationaler Filmpreis, 62. Nationaler Filmpreis, Chaitanya Tamhane,

Das Gericht wird von Chaitanya Tamhane geleitet. (Foto: Zoo Entertainment Pvt Ltd)

Das indische Justizsystem ist bekanntlich träge. Das Debüt von Chaitanya Tamhane beobachtet mit kühler Distanz das indische Streben nach Gerechtigkeit. Die Kamera verfolgt nicht nur das Geschehen innerhalb des Gerichts, sondern auch außerhalb, in das Leben und die Gedanken der Torhüter der Justiz. Der soziale Aktivist und Protestsänger Narayan Kamble wird wegen des Selbstmords eines Abwasserarbeiters festgenommen, der sich nach dem Hören eines von Kambles mitreißenden Volksliedern das Leben nehmen wollte. Ein Großteil dieses unauffälligen und sparsamen Films spielt im Gerichtssaal von Mumbai, als Kamble zur Anhörung vorgeladen wird. Einer der faszinierendsten Charaktere ist der Verteidiger Vinay Vora (Vivek Gomber), der, obwohl er die untere Kaste Kamble vertritt, gesellschaftlich nicht mehr von ihm entfernt werden kann. Privilegiert und ein Mann mit feinem Geschmack (ein Liebhaber von Käse, Wein und Jazz), wie kann er sich wirklich als Verfechter der Armen bezeichnen, während er selbst ein so elitäres Leben führt? Im Vergleich dazu führt Staatsanwältin Nutan (Geetanjali Kulkarni) ein einfacheres Leben und verkörpert bürgerliche Gewöhnlichkeit, die sie in dieselbe soziale Klasse wie Kamble einordnet. Tamhanes Auffassung von Gesetzgebern und Gesetzgebern ist abwechselnd satirisch und einfühlsam, aber entscheidend für seinen Erfolg ist, wie beobachtend und objektiv es sich zeigt. Gut gespielt (meistens eine Novizenbesetzung) und zum Nachdenken anregend, ist Court ein Triumph des Naturalismus.

Die Brotdose (2013)

‘Kabhi kabhi galat train bhi sahi jagah pohocha deti hai’ – Shaikh

Irrfan Khan in einem Standbild aus The Lunchbox. (Express-Archivfoto)

„Einsame Seelen treffen sich über indische Tiffin-Dosen.“ So begrüßte The Guardian Ritesh Batras Festival-Favoriten mit dem formwandelnden Irrfan Khan neben Nimrat Kaur und dem aufstrebenden Nawazuddin Siddiqui. Kreativer war der indische Kritiker Baradwaj Rangan. Essen, streunen, lieben, fasste er zusammen. Der berühmte Dabbawala-Service von Mumbai, der ansonsten für seine Effizienz bekannt ist, liefert die dampfend heiße Lunchbox an den Witwer Saajan Fernandes (Khan) statt an den rechtmäßigen Besitzer, den Ehemann von Hausfrau Ila (Kaur). Der seltene Fehler der Dabbawala führt zu einer der charmantesten Liebesgeschichten, die Sie im Hindi-Kino sehen werden, eine Rückbesinnung auf die einfachere Ästhetik und den unauffälligen Lebensstil, der Mumbaikars ein bisschen nostalgisch machen könnte. In einem Interview mit India Today gab Batra einen Einblick in den Lieferfehler. Es gibt magisch-realistische Elemente in der Geschichte. Das Publikum kann seine eigenen Schlüsse ziehen, aber ich glaube nicht, dass es (Lieferfehler) ein Fehler ist. Ich empfinde es als ein Wunder. Gefilmt mit dem langsamen Tempo eines Romans (der nuancierte Charakterzeichnungen ermöglicht) ist The Lunchbox ein meisterhaftes Beispiel für Irrfan Khans Fähigkeiten, während er versucht, das Innenleben eines alltäglichen Bürobesuchers darzustellen, der möglicherweise die Bedeutung der Hoffnung vergessen hat , Liebe und das Leben selbst. Ila weckt seine schlummernden Emotionen, und nach einem langen Austausch von heimlichen Briefen in der Brotdose nehmen die Fremden endlich den Mut auf, sich zu treffen. Eine der Freuden von The Lunchbox ist die unwahrscheinliche Paarung von Irrfan Khan und Nawazuddin Siddiqui, aber wenn Sie den Film sehen, können Sie den symbolischen Übergang der Fackel möglicherweise nicht erraten – und auch ein unschuldiger Zuschauer könnte Nawaz' legendären Aufstieg zum Ruhm nicht vorhersagen . Dies ist ein Film über Poesie, keine Fanfaren-Alltäglichkeit, die Langeweile und das Geschrei des bescheidenen Lebens und ihre Sehnsucht, die Chhoti Si Baat, Baton Baton Meinand Wagle Ki Duniya unserer Zeit.

Schiff des Theseus (2013)

‘Hamare har kaam ka prabhav kaal akash par rehte har parmanu pe padhta hai’ – Mönch Maitreya

Ein Standbild aus dem Film Ship of Theseus. (Foto: Recyclewala-Filme)

Als 2013 das Wunderkind Anand Gandhis Ship of Theseus herauskam, erklärten sich Shekhar Kapur, Sudhir Mishra und Dibakar Banerjee sofort zu Fans. Nachdenklich und anspruchsvoll, bezieht Ship of Theseus seine Kraft aus den Konzepten von Philosophie, Identität, Ethik und Religion. Für einen so jungen Filmemacher (Gandhi war zum Zeitpunkt der Veröffentlichung erst 33 Jahre alt) war es ein ziemlicher Bissen. Inspiriert von Plutarchs Gleichnis, das die ungewöhnliche Frage stellt: „Wenn alle Schiffsteile im Laufe der Zeit ersetzt werden, ist es dann wirklich dasselbe Schiff? Die erste entfaltet sich in drei parallelen Handlungssträngen und zeigt eine blinde Fotografin (Aida El-Kashef), die sich mit ihrer Behinderung auseinandersetzt. Als nächstes treffen wir den umgänglichen Jain-Mönch (Neeraj Kabi als Maitreya), der mit seiner standhaften moralischen Ethik und Ideologie, die sein Leben bedroht, zwischen der Versöhnung von Existenz und Überleben gefangen ist. Der weise Mann kämpft dafür, jegliches „Leiden“ zu lindern, und lehnt eine Behandlung mit der Begründung ab, dass die Medikamente an Tieren getestet wurden. Was ist mit der Gewalt, die Sie sich selbst begehen, wenn Sie keine Medikamente einnehmen, argumentiert Charvaka, eine junge Anwältin, die von Maitreyas sturer Einstellung frustriert ist. Aus Maitreyas Sicht liegt die Antwort auf die schwere Frage nach dem „Sinn des Lebens“ in der Erleuchtung und schließlich in der Befreiung vom ewigen Leiden über Leben und Tod. Die dritte – und am ehesten zuordenbare Episode – gehört dem Börsenmakler Navin (Sohum Shah), der sich auf der Suche nach Erlösung auf eine Reise nach Schweden begibt, um einem armen Mann zu helfen, seine Niere zurückzubekommen. Alle drei Protagonisten haben wie das schicksalhafte Schiff miterlebt, wie sich ihre Körperteile verändert haben. Aber wer weiß, irgendwo in den Trümmern ihrer neuen Körper lag ein Stück ihres ursprünglichen Ichs begraben? Visuell erhaben, voller intelligenter Ideen und zerebraler Argumente und eine Hommage an das Kino als Gefäß des Denkens und der Philosophie, beschwört Ship of Theseus ein Rätsel über das Leben und die Existenz und seine Geheimnisse und Bedeutungen. Sehen Sie auch: Rahi Anil Barves Tumbbad (2018) aus dem Gandhi-Stall ist ein Augenschmaus, ein lebendiger Gothic-Mythos.

Hazaaron Khwahishen Aisi (2005)

„Deshalb kann ich nicht verstehen, dass ihr reiche Kinder dieses ‚Lasst uns die Welt verändern‘-Spiel spielt. Während du nach einem Ausweg suchst, suche ich nach einem Weg hinein’ – Vikram

Chitrangada Singh und Shiney Ahuja in Hazaaron Khwaishin Aisi. (Express-Archivfoto)

Der verträumte, kampferprobte Sudhir Mishra verteidigte den „Indie“, lange bevor der Begriff an Bedeutung gewann. Und doch muss der silberhaarige, charismatisch umherschweifende Filmemacher fast jedes Jahrzehnt um Relevanz kämpfen. Niemand behauptet, dass alle seine Filme großartig sind – er gibt zu, dass einige Halki (Leichtgewicht) sind – aber die, für die er am bekanntesten ist, haben den Test der Zeit überstanden. Dazu gehören Dharavi (1991) und der Kult Yeh Woh Manzil To Nahin (1987) und Is Raat Ki Subah Nahin (1996). Hazaaron Khwahishen Aisi ist bei weitem der vollendetste Film, ein ebenso persönlicher wie politischer Film, der es schafft, den richtigen Ton zwischen der Anarchie und Romantik von Mirza Ghalib und dem unangebrachten Idealismus und der emotionalen Gewalt des Naxalismus zu treffen. Das dicht geschichtete und gut inszenierte Hazaaron Khwahishen Aisi aus den 1970er Jahren erzählt das Leben der Freunde Siddharth (Kay Kay Menon), Vikram (Shiney Ahuja) und Geeta (Chitrangada Singh).

Der Sozialist Siddharth rebelliert gegen seinen privilegierten Hintergrund, um die Revolution herbeizuführen. Vikram ist wohl sein Gegenteil – ein vernachlässigter Sohn eines reichen Vaters, der reicher werden will. Er wird schließlich ein mächtiger Fixer in den Kreisen von Delhi. Geeta ist die ausgewogenere der beiden und ihre Ablenkung. Bei ihrem ersten Auftritt hat Chitrangada Singh eine auffallende Ähnlichkeit mit der großen Smita Patil, sodass Sie sich fragen, ob Hazaaron Khwahishen Aisi in den 1980er Jahren gedreht wurde, mit Patil gegenüber Naseer-Om Puri, was für ein Film daraus geworden wäre. Wunschdenken!

Währenddessen genießt Mishra es, seinen Charakteren all die leeren Gerede über Revolution, soziale Gerechtigkeit, Gleichheit und Veränderung in den Mund zu legen. In Szenen, die heute mehr Nachklang finden könnten, eröffnet er den Film in einer JNU-ähnlichen Umgebung, in der die Kinder von Bob Dylan und Jimi Hendrix tanzen und die Nächte durchtrinken, während sie 'laal salaams' erheben und von Frieden und Wohlstand träumen. wie es der zynische Vikram ausdrückt. Mishras trockener Humor ist wunderschön in das Drehbuch eingebettet. Zum Beispiel die Szene, in der ein reicher Grundbesitzer, der einen Herzinfarkt erleidet, zustimmt, sich von einem niedereren Arzt behandeln zu lassen, einen Thronfolger, der immer noch an den Sozialismus glaubt, aber die Insignien des Reichtums nicht wegwerfen kann, oder als Vikram unter freiem Himmel uriniert, Singen, Wenn es Glück gibt, ist es dieses. Der Film ist stark von Nostalgie getrieben. Es ist sowohl ein Lobgesang als auch eine Elegie auf den Traum und die Dekadenz der 1970er Jahre, eine Generation, die ich verehrte, auch die Generation, die gescheitert ist, sagte Mishra einmal dem Outlook-Magazin und fügte hinzu: Außerdem gibt es auch Schönheit, Jugend und Leidenschaft. Und wenn es verblasst, bleibt die Idee der Liebe immer noch. Kein Wunder, nennen sie ihn einen „unheilbaren Romantiker“.

Dil Chahta Hai (2001)

‘Hum Cake khaane ke liye kahin bhi jaa sakte hai’ – Sameer

Akshay Khanna, Saif Ali Khan und Aamir Khan in Dil Chahta Hai. (Express-Archivfoto)

Freundschaft, Roadtrips, Erwachsenwerden und eine dysfunktionale Familie sind der Kern des Kinos von Farhan und Zoya Akhtar, und Dil Chahta Hai ist ihre höchste Leistung. Darüber hinaus geht es in dem Film wirklich um „Liebe“ – und wie die Protagonisten darauf reagieren. Akash (Aamir Khan) ist der Liebe abgeneigt. Was ist das alles für ein Liebeskummer? fragt er die sprudelnde Shalini (Preity Zinta). Sie geht auf ihn los und zuckt mit den Schultern. Du wirst es nicht verstehen. Sameer (Saif Ali Khan) hingegen verwechselt Verliebtheit mit Liebe. Der reifere der beiden, der zurückhaltende Sid (Akshaye Khanna) ist der einzige, der die Bedeutung von Liebe wirklich versteht. Seine Liebe zu der viel älteren Tara (Dimple Kapadia) ist tief, etwas, das seine Familie und Freunde zunächst nicht ganz verstehen. Farhan Akhtars Startrampe enthält keine philosophischen Überlegungen über das Wesen von Freundschaft und Liebe, sondern zieht die richtigen emotionalen Schläge. 19 Jahre später ist es so frisch und lustig wie eh und je.